夢実現・目的達成のための考え方と心身声のトレーニング（byヴォイストレーナー＆メンタルコーチ）

○本質の話～総合化と個別化

 

　声のまわりの問題を総合してから、その人自身の声そのものの問題に焦点をあてます。そこで、声はどのように鍛えられていくかということをみてきました。

　ヴォイストレーナーも成果を急がされ、プロデューサーや演出家的のような役割を求められています。そのなかで、これは忘れられ、取り上げられずにきた大問題です。彼らは声質や才能ある、すでに選ばれた人を扱えばよいということです。

そうしたチェックとの違いは、選ばれるまでブラッシュアップして、よりよくセッティングし、調整するのです。

 

　私も最初はプロにだけレッスンをしていました。

トレーナーは、トレーニングで、そうでない人をプロレベルにしなくては、その名には値しないと思ったのです。そこからのここの現実の歩みについては述べました。

　アーティストを育てるのは10戦10勝とはいきません。なのにヴォイトレは、確実なものとして、ローリスクローリターンの声の調整一辺倒になってきたのです。

 

〇プロと声

 

確かに発声法でなく、声そのものが変わっている人で、声でプロになっていく人もたくさんいるのです。

　プロという声の定義はとてもややこしいのですが、私は、いくつか機能面をチェックとしてあげています。その多くは総合化したもの、声の使い方であって声そのものではありません。

　本質は、声質、音色についての変化についてみることです。

　役者、声楽家には、声が大きく変わる人がいます。一般的に、他の分野では10代後半から20代、成長が止まるまではあまり、落ち着きません。その後、老けたり、かすれたりすることはあります。しかし、男性の第二次性徴期の声変わりほどの大きな変化は起きません。

顔が人を表すのと同じく、声も人を表します。職業や地位の変化により、声は驚くほど変わることがあります。

　同じ人でさえ、自信のあるときと、落ち込んだときとで変わるものです。

 

○声の使い方での変化

 

　ものまね芸人を見ていると、意図的にいろんな音色をつくる能力を、人は持っていることがわかります。奥様には、「よそ行き声」と子供を叱る声が、1オクターブも違う人もいます。電話での応答で、相手によって別人になるのは、女性に限ったことではありません。

　これらは口内や声道での変化によって可能なので、声の使い方となります。

魚市場のせりの声やアメ横の売り声は、職によって嗄れ声になることが多いのですが、なかには立派な声の人もいます。

同じ人でも社長になるか平社員か、営業か技術職かでも20、30年の歳月は人の声を変えます。データとしてはとりがたいでしょう。心身が弱ると声が別人のようになることもよくあります。ホルモンでも違ってきます。

　

〇劣化の逆

 

　声を使わなくなったための劣化は、声をよく使う職業から引退した人をみると、よくわかります。歌手のなどは、歌わなくなると声が高いところへ届かなくなり、声量も衰えます。

　トレーニングは、使わないために劣化することの逆をやると思えば良いのです。使っていくことで、その扱いをすぐれさせていくのです。

使い方を間違えると痛めるのは、他の分野の身体トレーニングと同じです。

　目的とその人にあった量や時間がありますから、無理せずにゆっくりとコツコツ長く続けていくのが理想です。早く変えたいからトレーニングすると、そこに必ず矛盾が出てくるのです。

　「使い方を間違える」というと、声の間違い、間違った声や不正解の声があるかのように思われる人もいるでしょう。これは目的にそぐわない方向にすることと考えましょう。

 

○声楽家とクラシック

 

　声楽家の先生などには「日本人の発声は皆、間違っている」と言う人がいます。「日頃からイタリア人のように発声しろ」と教える先生もいます。私はそういう人の理解者でもありますが、教え方については、一般化できないから相手にされないと思うのです。もちろん、クラシックという分野が確立しているから教えられているのですが。

　私は、歌手はもちろん、声優、俳優からビジネスマンにも「声の問題を解決したければオペラを学べ」と言っています。オペラ歌手に学べとは言いません。オペラ歌手のような声になりたくなくても、クラシックといわれるものには、人類の財産として共有するに値するよいものが詰まっていると思います。

　多くの声楽家は、「他の先生は発声も教え方も間違っている」と言わないまでも思っているのです。それには違和感を感じざるをえません。

　「大人のラジオ体操」にも、プラスαとしてバレエの基礎やヨーガが、載っていました。人類皆兄弟です。

 

〇叩き台

 

　これを述べているのは、自己を正当化するためではありません。結果として、誰でも自分が正しいという自己肯定から始めています。ですから、批判すると、天に投げた矢は、自分に落ちてくるのです。

研究所は、私以上の研究生やトレーナーがきて、学べることを前提につくっています。そうでなければ私が行う意味がありません。

　世の中には、すばらしいアーティストや演奏者がいるのですから、そのようになりたければ、そこに行けばよいのです。しかし、そのうちの1パーセントの人もそうはなれない。そこから、ここはスタートするのです。

　私が教えるのでなく、皆が学ぶのです。私に追い付くのでなく、私やトレーナーを叩き台にしていくのです。本もブログもメニュも材料であり、叩き台です。

　次の時代のために、次の人がより高いところへ行くためにここがあるのです。これを間違えると、すばらしい劇団とか養成所とかアーティストのところでも、人は育たないのです。

 

〇絶対視しない

 

　歌や声が声がよいからとまねしたところで、人は育つものでしょうか。それがトレーナーの資格だとすると、私も世界一、声がよく、歌がうまくならなくてはなりません。

　私が見本をみせるとよくないのは、それがサンプルになるからです。サンプルの一例というならよいのですが、気をつけないと（いや、気をつけていても）絶対視されていくことがあります。

　ポピュラーではオペラと違い(オペラでもそうかもしれませんが)、先生に似ていくのは自殺行為になるのです。

　影響力のある人ほど、その影響をストレートに与えすぎてはいけません。それによって洗脳された人が集まるようになります。

　一流のアーティストと出会い、そこに学んでいくやり方は、これまでも述べました。環境＝場と材料、基準を与え習慣化させていくことが、ここのレッスンの真髄です。それがわからない人との間では、私も、個人レッスンになってからは、気兼ねなく声を出しています。

 

○筋肉と声

 

　向こうの曲に関西弁をつけて大ヒットをとばした歌手が、私のところに向こうのレベルの声と体を求めてきたことがあります。そのころの私は、まだ体についての理解が十分ではなかったので、彼は、イチローのトレーナーのところに行きました。「1ヶ月で太ももが2倍になった」と言って、それに対応できるようなヴォイトレを求めていたのです。

　1ヶ月では声の太さは2倍にはなりません。外国人のような声にもなりません。あるいは、声の太さや外国人と同じとは、どんなことなのかということになります。

　声帯は2倍にもなりません。喉の筋肉を2倍にはできません。将来の整形外科手術などでは可能かもしれませんが、発声と筋肉量の明確な関係はわかっていません。筋肉の力の働きとその結果の発声は違います。力でなく音に変化させるのですから、筋肉を使うとはいえ、音響物理学や音声生理学の分野です。

 

〇プログラム化

 

　これまでにもボディビルダーやフィジカルトレーナーのように体のつくりそのものを研究してきました。いつか毎日のトレーニングメニュや食事など、24時間の管理において、ベストのプログラムを実現していくのは、トレーナーの夢でしょう。

　「貴方は、この項目のうち、この○項目に問題があります」「このメニュを毎日、○分○回くり返し、○ヶ月たてば必ず解決できます」そう言いたいのです。

 

　勘と経験を頼りというところから、データとトレーナーの知恵を使ってきたおかげで、私一人でやっていたときよりは、多くの人に対応できるようになりました。

しかし、その完成度はスポーツのトレーニングなどからみると雲泥の差です。彼らは3Dセンサーから血液分析まで24時間をデータ収集し分析し、プログラム化しているのです。

　声は楽器とも異なり、客観的に効果を測りにくいためにアプローチが発展しません。データも客観的でなく、その理解や判断も状況にすぎません。勘を頼りのプロジェクトで、実績、結果として積み上げているのが現状です。

 

〇経験の限界

 

　いろんなトレーナーが20年、30年とかけて、人をみてきたところからの判断や処方は、とても参考になります。トレーナーにも天才的な人や神様のような人もいますが、実績のある人ほど、ある特定の条件下での対応となってしまうため、なかなか一般化できません。

　トレーナーの書いた本が、トレーナーが望むようにうまく使われていないのも、その証拠です。それでも「すごい効果が出た」とか「声が変わった」と言ってくる人がいるのは、ありがたいですが、複雑な心境です。それがどの程度なものか、本当にメニュのおかげかもわかりません。他のメニュの方がもっと早く高い効果が出たという可能性もあります。

　トレーナー、レッスン、トレーニングについても同じことがいえます。十数名ものトレーナーがいると、いろんな試行ができます。多くの人は1人のトレーナーと進めて、問題も深くつきつめられないことが多いように思います。

 

〇複数の視点

 

　一つの方法がよいか、複数の方法がよいか。トレーナーを変えた方がよいか、続ける方がよいか。私は「どこのトレーナーがよくない」ということはありません。ここと両立させている人もいるからです。

　ここのトレーナーは最低2人ついて、それをメタでみるサードオピニオンとして私や別の専門家がいることが、他とは大きく違います。他のトレーナーの価値観や方法、メニュについても、たくさんの情報が入ってきます。判断の材料が多くなるわけです。他のところではOKでも、そこから絞り込めば、矛盾も問題もけっこう出てきます。

　いつかそれを楽しみ、自分の変化を楽しめるようになればよいのです。トレーナーや私が、あなたを変えるのでも、つくるのでもありません。自らを知るために人につくのです。☆

　私は、「トレーナーにあなたのレッスンの邪魔をさせない」ように注意しています。

　教わりにくるところであっても、いずれは、主体的にならなくてはなりません。日本人は、自立、主体的ということを大人になっても、どこかで学ばなくてはいけない人が多いようです。

　私は昔、教わりに行きましたが、一方的に教えられたくはなかったから、あまり教えないところにしました。

芸事は環境を与えて待つのです。そこの醸し出す空気が、先人たちが流した汗と涙がみえない力となっていくのです。人類のDNA、地球も宇宙も、あなたが、あなたであるように助けてくれるのです。

 

〇本一冊分のノウハウ

 

　私はトレーナーにも生徒にも一冊の本を、自分の本を書くように言っています。本当に書いた人はこれまで数人ですが、本一冊分以上書いた人もたくさんいます。

　トレーナーなら2、3年で毎回しっかりレポートを出しているので、それだけで400字200枚くらいになります。週に400字×3枚ほどでも2年ほどで一冊分となるのです。

 

　一回の出会いでも一期一会で、変われる人は変わるのです。今もレクチャーは月に何回か行っています。その人を本当に知るには　何年かかかります。トレーニングが幹となり、枝葉となり、たわわに実るのは、その辺りからです。

　守の3年、破の3年、離の3年でも、桃、栗3年、柿8年でも、石の上に3年でも同じです。他の人が大体、続かなくなってあきらめたところから、道が開けてくるものです。そこからが楽しいのです。

　もちろん、最初から楽しい人はとても恵まれています。

　「声が守＝固める。声が破＝動き出す。委ねていく。声が離＝自在、自由になる」というのが、私の思う10年です。

 

○自然と訓練

 

　正月恒例のガラコンサートに文枝師匠が出演されていたので、通してみました。昨年は少し若返りして、ガリガリしていた、若さでなく質ですが、今年は、今の日本の舞台でよくやるものを中心に、タレント、知名度のある人をもってきて視聴率を上げようとしていたようです。

　今、研究所では12～15名のオペラ歌手がいます。音大の先生との交流もあります。

　クラシック好きの文枝さんよりも、三橋美智也好きの談志さんに私は影響を受けたので、亡き氏を偲びつつ、オペラの声と2人の声を比べてみたりしたのです。

　私はオペラのよき理解者でもよき観客でもないし、ポップスについても同じですが、どちらも肩入れしない分、客としてフェアでしぜんであるつもりです。そこを求めてくる人もいるので、できるだけ、しぜんでいようと思うのです。トレーニングは、無理せずしぜんに、というわけにはいかないのですが…。しぜんではないけど、みるのです。

　出演されている人は、音楽面や語学はもちろん、歴史や地理から台本に、膨大な時間を費やして出ているので、その努力には毎度、頭が下がります。皆、キャリアは、プロとして必要な1万時間は超えているでしょう。

 

〇しぜんのレベル

 

私も無理して背伸びする時間があったからこそ、今があるのですが、ここ4、5年、トレーニングを再開して、確かに声の調子がよくなったので、自分のメソッドのよさを実感しています。どのメソッドも、そのまま他人に通じるわけではありませんが。

　私は、舞台を降りてからは、発声のトレーニングをしなくても声に困らなかったのです。まわりのトレーナーには、怠慢にみえたことでしょう。

しかし、当時はレッスンの指導を、朝の10時半か11時から夜の10時か11時まで、ひどいときは、食事もなく15分の休憩で続けていたのです。

夜だけのレッスンのときも、それまでに人に会ったり講演で、毎日最低4時間、多いときは8時間、声を使っていました。

今も、私は4～8時間、声を出しても支障はありません。しぜんであるというのは、その生活にそれだけの声が必須であり、それだけの声を出しているのです。

　しぜん、毎日の生活、そういうものから離れた声や歌やアートというのは、私は、あまり好きではありません。もちろん、アートは非日常かつ華やかなものだからこそ、客は日常を離れて楽しめるものです。ですが、出演者は別です。本来、客の数倍も大きな日常の世界に住み、高度な芸をしぜんにふるまうべきでしょう。私は、日本のオペラに、しぜんを感じたことは、あまりありません。ミュージカルにもです。その違和感にいつもなじめないジレンマを感じています。

 

〇リアリティ

 

　小さい頃、映画館に行くと、映画というフィルムの世界に入れず、自分の外側の世界を感じ、きまりの悪くみえていたのを思い出します。スクリーンに知らない世界の映像が投影されている。そんな感じです。

200年前の、遠いヨーロッパの国のことを日本人が、向こうの言語で当時の衣装で再現している、それに教授が仮装して出ている。高邁な趣味のサークルとしか感じられないときも多かったのです。

　リアリティが迫ってこない。美輪明宏さんが、フランスの小さな女性を演じて、観客を泣かせるのと次元が違います。私の好みではありません。私は美輪さんとは古いのですが（学生のときに出会った）歌の演目は好みではありません。でも、彼の永遠のテーマは、舞台では、そこでの歌は、今、ここに心に働きかけてくるのです。

オペラやクラシック歌唱の評論をするつもりもありませんし、できません。吉田秀和さんも亡くなりました。ポップスについては、ヴォイトレに絡むので論じ続けていくつもりです。

　J-POPSでも、がっかりしたことは数え切れないくらいです。家にずっと1日いる方がよいと思うようなレベルでも、どんなイベントもないよりはあった方が、そして、見た方がよいとは思うのです。映画に演劇も落語も同じです。

 

〇一般化する

 

　オペラがつまらないと思うのなら、そんなものに接せずに自分がやればよいのです。出演者が客にまわるほど感動できることを自分でやればよいのです。私は彼らの期待する客から最も遠いか近いのです。

　しぜん＝素人として、こういうのを見ない人、途中で切った人、見た人と分けると、圧倒的に多いのは見ない人です。素人が偶然みると10人中9人はチャンネルを変えます。それは、今やポップスの歌がおかれている現状と変わりません。

　歌は嗜好で左右されるので、好きな歌が好きな人で歌われないと、なかなか見ようとしないものです。

　ただ、その世界でがんばろうとする人や、私のようにそこでメシを食べている人は、努力して見ます。

努力したり、無理したりするのは、しぜんではありません。でも、見ているうちに、見ていなければわからなかったであろうよさも、見えてくることもあります。

　途中でチャンネルをパッと変える素人を惹き付けようする方が、よほど厳しい。それゆえ、大衆とはいいませんが、一般の人に対して働きかける力を持つことは大切なことです。

　スターはジャンルを超越する。三大テノールが来日したときは、オペラなど見たことがない人が見に行き、CD、DVDを買いました。

 

〇フィルターと価値

 

　落語や邦楽に比べ、歌は日本人の二重性、舶来品好きがフィルターをかけている分、プロゆえに、そのふしぜんさ、特殊であることに気づかなくなることが少なくありません。

当初、「男が音楽やファッションにうつつを抜かすとは…」などと言われた時代に学んだ人たちは、何をやったかという前に、やろうとした時点で、すでに革新的でした。

　客＝ファンが増えると一般化して、その通を目指すのにも、まじめな人が多くなります。まじめと才能とは違います。

　才能があろうとなかろうと、価値は舞台で決められていくので、それらを支えている人には何ら言うこともありません。まがりなりに才能と努力を伴って主役をはっているソリストにも、頼まれない限り、何も言いません。このあたりは、もっと厳しい批評家が、声の分野のアートに出てくるのを願っています。

 

〇耳づくり

 

　研究所の当初の目的の一つは、100人に１人のアーティストと99人の耳のよい客をつくることでした。これを20年くり返してスターが20人出たら、日本はおろか、世界も変えられるのです。私でなくアーティストたちによって変わるのです。

　オペラの養成所として莫大な支援を受けている音大は、何万人とアーティストの卵を送り出しています。しかし、そこでの発声の基礎は、明らかに技術、歌唱に急ぎすぎているのです。なぜ、お笑い芸人の方が声が強いのかを考えることです。

　生活のなかに取り入れて、非日常をリアルに現実にしていく、この点では、芸人の方がしっかりしています。ちゃんとしているというのは、ちゃんとしていないアウトローのようで、はちゃめちゃにみえてもちゃんとしているのです。

MC(司会者)はおろか、歌手、役者、声優、ナレーターまでも、お笑い芸人にとってかわられているのが、その証拠です。

 

〇よいもの

 

歌以外の人をみることが多くなっていますが、オペラ、邦楽に関わらず、歌手という職の存在意義が問われていると思うのです。安全で安心な人だけが求められる状況が、舞台をつまらなくしてしまうのです。

宝塚歌劇団や藤原歌劇団も、当初はそうでなかったはずです。オペラ歌手も大衆歌手でした。

　いろんなウンチクと有名タレントに頼って、ステージを啓蒙的に行ってきたのは、明治から昭和の、欧米に追い付け追い越せの時代の時代の流れでした。本場と比べられる（比べられて劣るという前に比べられる）ようなものからは脱皮する、でも、なんとなく、よいものを捨て悪いものが残ったように思います。

 

〇勉強と精神構造

 

　しぜんな発声は、オペラでは、パバロッティのような人でないと100パーセントは実現できない。としたら作品ありき、人はいないとなるわけです。それでは、そういう人の魅力に支えられている本場にかなうことはありません。

　発声、歌唱、ヴォイトレに、このような精神構造が共通しているようにみえるからです。

技術ではトップクラスの日本のプレイヤー（バイオリニストなど）が「自分の思うように弾きなさいと言われると何もできない」というのは一昔前よく聞いた話でした。

先生の教えた通りやるのが正解と信じていく。楽器はそれでもまねできることに大きなアドバンテージがあるので、日本の子供は優秀になります。工業大国、家内手工業で強い日本の伝統のようなものです。

　大学と家との往復の毎日から、ドラマチックな、というか、ぐだぐだの愛の物語などが演じられるものでしょうか。それこそしぜんではありません。特に日本の場合は、プリマドンナより男性に、大変ですが、がんばってもらいたいものです。女性は、外国ではもてるので、いろんな経験を積めるチャンスがあります。

教師役は、比較的うまいように思うのは皮肉なことです。しぜんに、芸にその人が現れるものです。

　日本人の場合は、勉強にがんばるよりも、それを壊すことにがんばることが大変です。

 

○本質と中心軸　

 

　大体において、習い事は、すぐれた人が自らをもっと高めるのに求めるか、同じように学んでいるなかで、自分はうまくいっていないと思うのが動機となります。

　この研究所は、こういう分野に、初めてということでいらっしゃる人にはガイダンス的役割、いろんなところをまわっていらっしゃる人のダメ押し、もしくはダメモト的役割を担うことも多いようです。トップレベルと中の低あたり（もしくは低レベル）は、他に行くところがないこともあって、よくいらっしゃいます。

 

　私は、ここは二重の意味で、周辺に位置していて、それゆえ、自由であると思っています。芸能からもビジネスからも、病院からも、すべてに接していつつ、そこと直結せず、距離をおいています。

古いものと新しいものといっても、すでにあるなら古いのです。

アーティストでありたければ、新たなビジネスに使いたければ、中心は他に譲り、最初は、そのまわりに位置しておくとよいと存じます。多くのことに気づけて学べるからです。

　他のプロダクションやトレーナーやスクールと利害関係を生じないことで、多くの情報や学びの研鑽が得られるのは、ここのメリットです。そのことを考えると、代々木というロケーションは、なかなかよいです。

 

〇必須のこと

 

　プロには、表現、オリジナリティでの効果を軸に、普通の人にはフィジカル面、喉、あまりよくない人にはメンタル面を処するのが中心となります。

プロに対してのレッスンは、トレーナーが自分のできることでなく、できないこと、そのプロにおいて、ギリギリで何とか手の届きそうなところに課題を設定することになります。ここに通うプロでも3割くらいは、表現の本質的なことを究めようとしています。あとの3割は声の本質、後は音楽の基本や発声の形をマスターすることでしょうか。どれもヴォイトレに必須のようであって、他のところでは扱っていないことです。

　一般的に、トレーナーは自分よりへたな人を教えているのですが、ここでは、トレーナーより高いレベルで活躍している人がいらっしゃることも、一見、声と関係なく、これまで扱ったことのない分野の人がいらっしゃることもあります。

　巷にヴォイストレーナーが増えたので、普通は、身近なところに通うものでしょう。遠くから、ここを選んでくる人は、特別な事情があることも多いのです。

 

〇拡大する

 

　歌を教えることを目的にするのと、他人に歌を聴かせることを目的にするのは違います。歌いこなすことと歌をつくることも違います。リズムや音をとることと、リズムや音をつくりだすことも違います。

　普通は、マイナスをなくすことがメインです。うまい人にそろえていくことを望むので、しぜんとそうなっていきます。しかし、それではプラスを生むことを見ずに終わってしまいます。素質としての声の存在の可能性をクローズアップして、拡大していくところをスルーしまうのです。それでは、根本は変わりません。

 

〇1日教室

 

　日本のように受け身の教育を体験してくると、先生も生徒も、それが、レッスンと思ってしまいます。

一方でアーティストなどは、型破りに、自己流で直感的にワークショップを行っています。それもまた、別の意味で即効的で、表面的なものにすぎないことが少なくありません。演出の力で行うもの、心身の堀下げ、体感的なものの発掘で行うものもあります。人間性の回復、心や体の健康、正常化に意識が覚醒されるので、とてもよい体験のように思います。しかし、突き放してみると、1日教室です。

　どちらにしても、翌日からの自分の生活に対してアーティスティックな軸を通す力を持っていません。根拠のない自信づけやただの満足で終わってしまうのです。そこに行かなくても何とかする力を持った人だけが、プラスαを得ています。

そこのトレーナーや主宰者の方がいろいろと学ぶという結果です。継続して気づけるからです。私も以前、50名単位のグループで合宿を10年以上行ってきました。そのときを考えてわかるのです。

 

〇人間らしく

 

　もっとも大切なのは、シンプルな練習をコツコツとくり返していくことです。それに一人で耐えられないから、レッスンやメニュや理屈や精神論があるようなものです。

　すぐれた人は、直に心で受け止めて声に感じられるのです。そればかりは自分でやって得なくてはなりません。

　それを基にレッスンでトレーナーが活かす方向を示すのですが、その前に妨げてしまうことが多いのでしょう。

　私は、必要性を自覚させたいので、必要と思うことが絶対に必要だと餓えるくらいに待ちます。そこで自らを感じ、その動きを自らとり込まないと手に入らないのです。

 

　原始の生物は、まわりの環境で左右されます。寒ければ温かいところへ移動し、移動できなければ死にます。しかし、人間は自分の持つ条件を超えて、火を焚いたり、エアコンをつけて環境をコントロールします。自分の体を鍛えて対応できるようにします。そういう意味で人間らしくあらねばならないのです。

何よりも覚醒するには、かなりの時間がかかるのです。即効果をうたうのは、それを捨てていることになるのです。

 

○カラオケの技術

 

　「技術を超えるものを表現するために技術を究めなくてはいけない」ということです。舞台を超えるために舞台があり、表現を超えるために表現があります。レッスンはレッスンを超えなくてはならないのです。

　歌のうまい歌手と心に残る歌手がいます。うまいというのは、うまくみえるということです。難しいことを何とかこなしていると、うまいレベルで競っていることになります。

　「カラオケバトル」という番組があります。プロ歌手が、元歌の本家の方の歌手が、けっこうな確率で負けています。本当にへたなこともありますが、目をつぶると、やはり本家の方が伝わっていることが多いのです。

　採点バトルは、数字で実証しないと納得できない現代人の心理をついたゲームです。私が解釈するなら次のようになります。カラオケの得点基準も、正確さから表現力に重きをおくようになってきているのですが、そのあたりの進化にはふれません。

　歌としての正しさは80点くらいでクリアされています。それ以下のレベルの人は、そこまで使って練習できると思います。しかし、そこからはカラオケの基準に応じるのか、独自の表現の方へつめていくのかは大きな岐路です。

　以前の基準では、音程に正しく歌うことを声楽などで学んだ人が有利でした。今やプロも、カラオケで練習してくるそうで困ったものです。

 

〇プロからの基準

 

　私としては一流のプロを100パーセントとして、それにどれだけ近づけるか(基準1)、

　そこからどれだけ離れても、歌として成り立たせられるか(基準2)、

　離れるというのは、一見、点が低くなるようにみえるのですが、それで本家より表現が伝わるとなれば、とてもよい歌になるのです。(基準3)

　

　とにかく、多くのプロの歌手が関わっているのですから考えていただきたいものです。

歌はゲームにしてもかまいませんが、本家本元が自らの歌をゲームにするのは、それがPRの機会としても悲しいです。

　歌はTVでも普及してTVでだめになったのです。改めて考えてみたいものです。

 

○楽譜とオリジナリティ

 

　楽譜とオリジナリティについて、ときに、こんな質問がきます。

「楽譜は読めなくてはいけませんか」

「楽譜通り歌うのですか」

　

　本当は、ここでとりあげたくありません。なぜなら、どうでもよいからです。悩んでいる人にどうでもいいというのではありません。歌やレッスンやカラオケなどを、どのように位置づけるかは、本人の自由だからです。声についてもヴォイトレについても同じです。

　悩むというのは、自分では、自由に好きにしたい、だからといって、人に認められない、表現が成り立っていないのは嫌だという思いがあるからでしょう。それを私はスタンスといっています。

　スタンスは一人ひとり違います。そのスタンスしだいで私の答えも異なるのです。

 

「歌は好きなようにうたってよい」

「楽しんで歌えばよい」

というのも、これと関連します。

「歌が楽しくなくなったのですが、続けるべきでしょうか」

などもあります。

〇楽しむということ

 

　歌が楽しいことが第一目的なら、レッスンを受けて、そのレッスンで歌が楽しくなくなる（やる気をなくす）なら、解決法は二つです。「レッスンを止める」か、「レッスンを楽しくする」かです。

　レッスンを楽しくするなら、それは「トレーナーに楽しいレッスンにしてもらう」「楽しいレッスンをするトレーナーにつく」「自分がそのレッスンを楽しめるようになる」です。

　楽しいレッスンや楽なレッスンでは伸びないという人もいれば、楽しく楽なレッスンだから伸びるという人もいます。同じく伸びるなら、楽しく楽な方がよいではないかと、いろいろと考えられますね。

　

　何をもってトレーナーなのか、レッスンなのか、上達なのか、伸びなのか、楽しいなのか、楽なのかを考えてみることです。

　こうした問いには、「問えるほどにわかっていないから、もっと突き詰めて問えるように学びましょう」というのが、私のアドバイスです。

 

〇やってみる

 

　先生というのは教えるのが仕事です。「乗り超えなくては上達しません」「自分を向上させる努力こそ、楽しみでもあるのです」「楽しめないなら止めなさい」「楽しいと思えることをしなさい」、その人の体験から答えをアドバイスしてくれるでしょう。それは個々の経験ゆえ、あなたの求める答えとは違うでしょう。でも、ヒントになればよいのです。

　スポーツなどでは、努力、苦労といったプロセスをとります。芸事も同じです。でも私はどうでもよいと思うのです。本人が本人で解決しないのなら、問題もなくならないからです。その前に問題にもならないからです。

　

　頭で考えてもやらなくては何もならない、ということです。やっても何にもならないかもしれませんが、やらなければ変わらない、つまり、100パーセント何にもならないという真実です。

　だから、好き嫌いは別にして、やることです。

 

〇一段上へ

 

誰も答えを知りません。答えはまだありません。あなたの求める100パーセントの答えは、どんなトレーナーも持っていません。良心的であると「答えません」「教えません」「教えられません」となるはずです。

　それによってできるとかできないとか、99パーセントのことでも1パーセントは、あなたは当てはまらない人かもしれない、どこかで思っていなくてはならないからです。10人中8人ができることを、あなたはできないかもしれない。10人中1人もできないことを、あなたはできるかもしれない。そこに本当の価値があるのです。一段上ではそこにしか価値がないからです。

　

　私は自分や自分のまわりや体験だけを基準にものをみないようにしています。だから、答えられないのです。これは、あなたの最大限での可能性、期待です。迷ってばかりいるなら、それは、可能性ゼロへ転じてしまいます。やり抜いた人は、他人が迷ったり考えている間もコツコツやっているからです。無駄、無謀、遠回りと思う人もいることさえ構わず、執拗にやっているでしょう。

　トレーナーが効率よくしてあげようと親切心を出して、満足させて、結果、才能をつぶしてしまうこともあります。自分の手の中でしか活動できないようにしてしかねないのです。

　自分を超えさせるために自分の教えにこだわってはなりません。

　最初の3年間くらいは、あまりにわからないからレッスンやカリキュラムがあると思えばよいのです。

 

〇読譜について

 

「音大に行かないとオペラ歌手になれませんか」など、「○○でなければ○○になりませんか」というのは、頭で考えると迷ったり悩んだりするものです。それよりは、やりなさいということです。

楽譜が読めても歌手になれないし、音大に行ってもオペラ歌手になれないのです。楽譜も読めない名歌手も、音大を出ていないオペラ歌手もいるでしょうが、それを探してもしかたないでしょう。

人生を確率でみたら、つまらないでしょう。その人がそうだったから、あなたもそうだとはなりません。3年あれば、楽譜も読めるようになります。楽器の基礎くらいは習えます。初心者のレベルには、教室もよいのです。

 

〇楽譜は地図

 

　いつまでも遠くの山に憧れていないで山に入りましょう。

　楽譜というのは、実際のレッスンに対する、文章のようなものです。山でいうと地図です。地図があると便利ですが、初めて登った人は、そんなものはなかったのです。効率や安全を考えないのなら、絶対に必要なものではありません。地図がどのくらい正解かはわかりません。登る準備やテクニックは、地図をみてもわからないでしょう。

　ないよりは、あった方がよいでしょう。レッスンとステージの歌のように、結びついているのです。そうであっても本当は切り離されているとも言えましょう。

 

　先生たちにもいろんな見解があります。オペラ、ミュージカルのように継承されてきたものを、同じように"再現”するために、楽譜は必要です。アレンジ譜もです。オーケストラの団員や出演者など、大人数が一つの舞台で一定の時間で役割を分担するのに、楽譜は不可欠です。

　美空ひばりさんは、楽譜が読めないのにオーケストラと共演しています。彼女の才能だから…いえ、芸人やカラオケしか歌ったことのない素人でもオーケストラをバックに歌えます。

でも、オペラやミュージカル、合唱では、共演者との練習で、共通のルールとなる地図は、楽譜ですから、楽譜くらいは読めるようにしておくとよいのです。読めないより読めたらよいなら、読めるようにしていくのです。将来の向けて有利になるようにしていくのが、レッスンやトレーニングの基本的な考え方です。できて使わない分には、できなくて使えないよりはよいです。これも一つの考え方です。

 

○価値、選択、優先順の判断を変える

 

　何を価値として、どう選択するか、選択したものをどのような優先順でやるのか、それに対してアドバイスするのがトレーナーの本分であると思うのです。ある価値、ある選択、ある優先順は、若く経験のない初心者には難題です。自主性に任せておくと、多くのなかで一つでしかないものが、先に触れただけで、しばしば唯一絶対となりがちです。トレーナーも同じです。他の選択も、他の優先順も、他に価値さえあることさえわかりません。そのことを私は伝えたいと思っています。最初から複数のトレーナーにつけて教えさせているのも、そのためです。

 

　本人一人で練習するよりはトレーナーにつくとよいでしょう。それが複数のトレーナーとなると、多様なもの（方法、メニュなど）をもっているところにあたるわけです。私はそれを一つの価値、選択、優先順としてみると、早くよりよくわかるのです。他のトレーナーをつけてみています。

　私自身の経験は私の判断に影響してくるので、私自身に対しても、それによってすぐれもしたが劣りもしたと中立視しています。

 

〇学べるようになる

 

　多くの先生は、「私はそれですぐれたから正しい。だから、それを教える」という立場です。「他の人は間違っているが私だけは正しい」という井の中の蛙で、私は少々困っています。その色を強くつけて、ここにいらっしゃる人も少なくないからです。そういう先生は、私たちには生徒よりやっかいなのです。

神のように崇められている達人や世界に名を馳せたオペラ歌手でさえ、他人の指導において多くの誤りを犯しているのです。「私はそれですぐれた」が、「どうすぐれた」というのでしょう。

　他の分野ではわかっていることさえ、歌や声の分野では、未開拓で未熟なものです。まして、個の将来性です。ヴォイトレは、試行錯誤の連続なのです。

学ぶのは学べるようになることです。そのために学んでしまわないことなのです。☆つまり、学べていくと、そのプロセスではともかく、結果として、どういうトレーナーともうまくやっていける能力がついているものです。ですから私もいろんなトレーナーと、ここで長くやっています。絶対的価値観をもつトレーナーを除けば、ですが。

 

○楽譜の研究

 

　私がもっとも楽譜の研究をしたのは、当初、プロへのヴォイトレを始めたときと、90年代初頭、グループレッスンの初期、すぐれたヴォーカリストの卵たちが集まってきたときです。ともに、歌唱力も発音も、音感、リズム感もすぐれている人を相手にしたからです。

その後は、声と耳を中心にヴォイトレをやってきたのですが、どうしても表現に関わらざるをえなくなりました。一般の人が多くなってきたからです。

そのときに、「これではよくない」というのをフィーリングだけで伝えても伝わりません。フィーリングは、プロならオリジナリティとして持っているのです。それはプロとしての活動実績に裏付けされ、ときに強固なものです。こちらも若いときは、実績では説得力に欠けます。

　そこで、私は、説明の根拠を徹底して楽譜から探したのです。ことわっておきますが楽譜をみて歌を考えたのではなく、歌をみて、その説明に楽譜を使ったのです。ただの楽譜の記号ではなく、生きた音楽として、です。音大受験生のようなレベルで解釈するのでなく、表現としての曲の成り立ちと対応させていくのです。

 

〇公式相似形

 

　自分のよしとする感覚、感性を、音符や数値やコードで置き換えるようなことです。そこで私なりの楽譜、音楽の構造の解釈や歌うための公式が生まれました（拙書「裏ワザ」に一部を収めています）。

　たとえば、楽譜のオタマジャクシをすべて線でつなぐと、高低や長さの流れができます。これは誰でもわかることですが、高くなるとサビff－低くなるとppみたいなこととつながっているのです。

　次に、相似形をみつけます。数字の公式のようにパターンを思い出して、大きなルールを取り出すのです。ベース音やコードの記号をみてもわかります。同じコードを同じ色で塗り、配列の規則性をつかんでみてください（循環コードなどを知らなくとも何曲も分析するとわかります）。フラクタル(自己相似形)

　たとえば、ドレミドレミと２つくると、次もドレミを予期するのに、ドレファとかドレソとくると、ファやソとかも大きな意味（「転」）をもつというようなことです。

 

〇日本人の欠点を補う

 

　音符の長さの変化や、表拍、裏拍の変化は重要なモチーフです。欧米に感化された日本の曲では4拍の裏や3拍の裏から入るものも増えました。こういうのは日本人の歌い手にありがちな歌詞、優先の伝え方と矛盾していくので、歌い方でも対立しやすいところです。

　そこでよくわかったことは、私の本（特に「ヴォーカルの達人」の音程リズム論に詳しい）にも述べてありますが、日本人の次のような特徴でした。

1. (歌）詞を重視、リズム（グルーブ）は従

2.ハーモニー（和音）感覚のなさ

3.全体構成、展開力のなさ、短いフレーズでの組み立て

4.呼吸の浅さ、ロングトーン、レガートの雑さ

5.声の芯、深さ、音色、楽器としての演奏力のなさ

6.パターン認識のなさ、リピートの不確実さ

7.声量、声域、統一音声のなさ

8.歌いあげる、歌としての歌唱の様式化

9.生命力、立体化、リアリティのなさ

10.表現力、インパクト、パワー、テクニックのなさ

ここでは悪口を述べているのではありません。レッスンには、よくないことを洗いざらい明確にして直していく目的があります。課題として捉えてみてください。

 

〇強化と実現

 

　ほめて伸ばすというだけでは、メンタル面での効果にしかなりません。メンタルの強化でなく、慣れによる自信づけです。そういったメンタル面で足らないからこそ、フィジカル面でトレーニングしていかなくてはいけないのです。

しばしば私のレッスンでは「これで充分、もう完璧」といってくる歌手の作品を吟味して、徹底して荒や欠点を探します。

　よいところはファンが認めるので理由はいりません。トレーナーは悪いところを指摘するのです。それは理由とともにあげなくてはなりません。よりよくしたいからこそ探すのです。悪いというだけでは、ただのアンチファンです。

直らないところは見切る必要があります。安易にいろんな隠し方や修正でカバーすることは避けて、直るところをきちんと直していくのです。大切なことは、もっと大きな可能性を探って、次のステップへの実験をしていくことです。こういう表現や演奏が考えられるのではないかと発想、発案をする、あるいは本人に促していくのです。その実現に必要な基準と材料を与えていくのです。

 

〇ヴォイトレの仕事

 

　アレンジャーは、アレンジで効果をつけるのですが、ヴォイストレーナーは声でやるのです。それは、ずいぶんとクリエイティブなことです。こう歌えばいいというのなら簡単です。そんな付け焼刃で通じるのなら演出家やプロデューサーに任せればよいのです。

可能性とは、材料を渡して何かが出てくるのを待つのですから気の長い話です。すぐ役立つアドバイスなら、すぐに変わるけど、根本的には歌い込みでしかわからないことを先取りできません。あとで役立つ材料やどう役立てられるか、まだわからないものを与えてこそ、ヴォイトレの仕事といえるのです。

　欲をいえば本人が100パーセント完全、あるいは自分の全力でこれが限界というものをあげてからが、本当の仕事といえるのです。

 

〇アレンジャー

 

　何人かの作曲家やアレンジャーと仕事してきたことは幸いでした。すぐれた作曲家は徹底して論理的な感性をもっています。作曲家のすぐれた作品を、日本ではそういうときに限って、あまり歌唱力のない、声質だけの女性ヴォーカルがくるので、現場は大変です。

　声で変えられなければ、次に作曲やアレンジで変えることになります。編成、音響やリバーブやコーラスで変えるのは最後の手段です。昔なら「歌手を替えろ」だったのが、今はあまりにいろんな手段で修正できるので、ややこしくなりました。

 

〇固める

 

　日本のバンドのプレイヤーは、ヴォーカルに対し、ピッチやリズムに厳しいわりに、表現や声には、大甘です。それゆえ、私はバンドやオーケストラにヴォーカル不要論を唱えてもいます。

どうも楽器、演奏レベルで歌や声をみていないのです。そのレベルで聞くことのできる歌手があまりに少ないのでしょう。一方、ピアニストなどがジャズなどを教えているところでは、歌い手が声を固めて解放されていないことがほとんどです。その方が動かしやすいのです。安易な分、だらしなくなります。

 

〇歌の音楽面

 

　作曲家や演出家には、歌唱をことばでなく、声が伝わるか、音声が心を動かすかで判断している人もいて、心強くもありました。そういう人もミュージカルや演劇では、妥協の産物か、歌の音楽面は重きをおいていないものになります。不幸なことに、日本では、それを指摘する人もいないのです。プロダクションや代理店は、タレント性を売りたいのですから、声や歌が充分でないケースが、日本では大半とさえいえるのです。

 

○楽譜からの歌、原型に戻す

 

　よくレッスンで受ける「楽譜通り歌いなさい」も「楽譜をみて歌いなさい」も、どちらも曲が未消化になり、ふしぜんです。

1.楽譜で覚え

2.楽譜を忘れて歌い込み

3.楽譜に戻って完成させる

ことです。まさに守、破、離なのです。

　この場合、楽譜に戻っても、それは守るのでなく離れているのです。せりふなどで問われることも同じかもしれません。

　与えられたものを、マスターしていきますが、それはまだ自分のものではありません。自分なりに差し替えたり、動かしたり、自分の心の方から伝えるべき表現を求めます。

　楽譜という形であれ、その人の頭の中の曲想であれ、現実としては、声が動いてその振動が人の心を動かせるものに仕上げるのです。ということでは、楽譜ということを改めて問うことは必要ないでしょう。

練習の場から離れて、その役を体験したり山中にこもったり滝に打たれたりする、というのは、よくある行き詰った練習の打開策です。そこで実を入れます。そしてまた、練習場に戻って、余計なものをそぎ、原型の形に戻すのです。

 

〇再生する☆

 

　ある練習曲を

1.覚えて

2.忘れて

3.忘れてもできるようにする

 

1.自分で演じているうちは、自分

2.まったくの他人を演じているときは他人

3.他人のなかに自分がでる

 

あるいは

1.他人の形を演じる

2.自分の心を入れる

3.他人の心を演じる

このように、いろんな3ステップが考えられます。どちらにしろ、形に実を入れ、実が形をとる。つまり、与えられたものを自ら再生するのです。まさに、人の形で生まれた自分が、我から人としての自分に再生させるのです。すべてにおいて、こういうプロセスをとらなくてはいけないのです。

 

〇最高の作品☆

 

　私は、「歌手も消えて歌が残る」「歌が消えて人間が残る」こういう2つのステージを最高のものとしてみたことがあります。「声が消えて歌が残る」「人が消えて魂が残る」そういうのにあたった経験もあります。ここでの結論は「楽譜が消えて歌が残る」で充分だと思います。

 

オリジナリティが残るとなったときは

1.作品なのか

2.歌手なのか

を考えることがあります。

でも、これは愚問ですね。歌とは詞かメロディかと問うているようなものです。その作品がその時その歌手により新たな命を吹き込まれたとき、オリジナリティをもって再生、いや、誕生したわけです。決してリピートでないもの、再生でなく、新たな誕生です。

　立川談志師匠が、何年か前の「芝浜」で神がかったあと、「また違う芝浜ができました」と深く頭を下げたのが印象に残りました。生涯で何回か、そういう神懸かり的な巡り合いがあれば、それをよしとするのが、アーティストと思います（これを「至福の時間」ということで、以前に、詩にしました。ホームページ「ジョルジア」参照）。